Las 16 mejores películas de la historia

¿Filmar una película en blanco y negro en plena década del ’90? Así lo hizo Steven Spielberg para dotar de mayor realismo a “La lista de Schindler”, una de sus grandes obras.

El filme presenta la historia de Oskar Schindler, un empresario alemán que, al contratar a más de mil judíos en sus fábricas, les salvó la vida durante el Holocausto. En realidad Spielberg adaptó a la pantalla grande los hechos que ya había presentado el escritor australiano Thomas Keneally en su novela “El arca de Schindler”.

Schindler fue interpretado por Liam Neeson, quien estuvo nominado al Oscar como Mejor Actor por su trabajo. También logró una nominación como Mejor Actor de Reparto quien da vida a Amon Göth, miembro de las SS: Ralph Fiennes. Aunque ellos no se llevaron estatuillas, “La lista de Schindler” conquistó premios como Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guión Adaptado y Mejor Fotografía, además de distinciones en otras categorías.

En 1969, Mario Puzo publicó la novela “El padrino” y, seguramente sin proponérselo, así comenzaba a sentar las bases para cambiar la historia del cine. El mérito de dicho logro, por supuesto, es de Francis Ford Coppola, el director de la adaptación cinematográfica del libro.

El cineasta y el escritor trabajaron juntos en el guión del filme que se estrenó en 1972. “El padrino” se convirtió en la película más taquillera hasta entonces y luego, al año siguiente, se llevó tres premios Oscar: Mejor Película, Mejor Guión Adaptado y Mejor Actor (Marlon Brando).

Al Pacino, James Caan, Robert Duvall y Diane Keaton son otros de los protagonistas de esta propuesta que narra la historia de la familia Corleone y muestra con maestría el enfrentamiento entre bandos mafiosos.

“El padrino” no solo suele ser considerada como una de las mejores películas de la historia: también está entre las más influyentes. Como si fuera poco, dio lugar a una secuela que, a diferencia de lo que suele ocurrir, estuvo a la altura de la primera parte e incluso, para algunos críticos, la superó.

Frank Darabont no está entre los cineastas más conocidos para el gran público. De hecho, apenas dirigió cuatro largometrajes que llegaron a las salas. Sin embargo, cada una de sus propuestas dejó una huella, sobre todo su ópera prima: “The Shawshank Redemption”.

Conocida de diferentes formas en los países de habla hispana (“Sueños de libertad”, “Cadena perpetua” y otros títulos), esta película de 1995 es una adaptación de una novela corta de Stephen King. Tim Robbins, Morgan Freeman, Clancy Brown y Bob Gunton son los actores que encarnan a los personajes más importantes.

Robbins es Andrew Dufresne, un hombre condenado a dos cadenas perpetuas por el asesinato de su esposa y del amante de esta, aunque él dice ser inocente. En prisión se hace amigo de Red (Freeman) y de otros reclusos y, con el tiempo, incluso se gana la confianza del director del presidio. Con su actitud y su inteligencia, Dufresne comienza a conseguir mejoras para los presos y hasta trabaja para las autoridades, quienes no sospechan que el convicto mantiene intactos sus “sueños de libertad” y está dispuesto a cumplirlos.

El premio Oscar al Mejor Guión y otras seis nominaciones, el Globo de Oro al Mejor Guión, la Palma de Oro en Cannes… “Pulp Fiction” (“Tiempos violentos”) marcó la consagración definitiva del director y guionista Quentin Tarantino, dueño de un estilo inconfundible.

A través de una narrativa que no es lineal, Tarantino va contando distintas historias que tienen como protagonistas a los integrantes de una banda criminal. El reparto abunda en figuras: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, Tim Roth y Rosanna Arquette son algunas de las estrellas que aparecen en pantalla.

Vincent Vega (Travolta) acompañando a Mia Wallace (Thurman), la esposa de su jefe Marsellus Wallace (Ving Rhames), es uno de los relatos que forman parte de “Pulp Fiction”. Otro gira en torno al boxeador Butch Coolidge (Willis), por ejemplo.

El diálogo en la casa de hamburguesas, el baile de Travolta y Thurman y el pasaje bíblico que recita Jackson son apenas algunas de las escenas de este filme que ya forman parte de la cultura popular.

“Siempre nos quedará París”, “Louis, creo que este es el principio de una gran amistad” y hasta la tergiversada “Tócala de nuevo, Sam” (que, en realidad, es “Tócala, Sam”) son frases que inmortalizó “Casablanca”, una de las mejores películas de la historia.

Estrenada en 1942, al año siguiente se quedó con varias de las estatuillas más importantes de los Oscar: Mejor Película, Mejor Director (Michael Curtiz) y Mejor Guión Adaptado. Con el paso del tiempo, su leyenda no hizo más que crecer.

La trama se desarrolla durante de la Segunda Guerra Mundial. Escapando del nazismo, muchas personas llegaban a la ciudad de Casablanca, de donde luego no podían salir ya que la Gestapo presionaba a las autoridades del protectorado francés. En este marco, la policía secreta alemana está detrás de Victor Laszlo (Paul Henreid), un héroe checo de la resistencia.

Para huir, Laszlo necesitará la colaboración de Rick Blaine (Humphrey Bogart), dueño del Rick’s Café y quien fuera amante de su esposa Ilsa Lund (Ingrid Bergman). Rick e Ilsa habían entablado una relación en París hasta que el ingreso de los alemanes los forzó a separarse: ahora, se reencontraron en Casablanca. Blaine, de este modo, deberá debatirse entre sus sentimientos por Ilsa y lo que se supone moralmente correcto.

“Citizen Kane” es una película que lleva el sello magistral de Orson Welles. No solo dirigió el filme, sino que también fue su protagonista y participó del desarrollo del guión.

La trama gira en torno a Charles Foster Kane, un personaje de ficción pero inspirado en el magnate mediático William Randolph Hearst. En la cinta, Kane es dueño de emisoras radiales y periódicos y dispone de una vasta colección de obras de arte.

Al morir en su castillo, el millonario pronuncia una última palabra que nadie llega a entender a qué se refiere: “Rosebud”. Partiendo de este misterio, varios periodistas inician una investigación para desentrañar a qué quiso aludir Kane.

Los especialistas, al día de hoy, siguen reconociendo las innovaciones de “El ciudadano”. Welles sorprendió por su manera de emplear la profundidad de campo, la fotografía en claroscuro y los planos contrapicados, por ejemplo. Además contó la historia mediante flashbacks, evitando lo lineal y recurriendo a diferentes narradores.

Si nos guiamos por la entrega de los premios Oscar, no se puede poner en duda que “El silencio de los inocentes” (o “El silencio de los corderos”) es una de las mejores películas de la historia. En 1991 arrasó quedándose con los galardones por Mejor Película, Mejor Director (Jonathan Demme), Mejor Guión Adaptado (Ted Tally), Mejor Actor (Anthony Hopkins) y Mejor Actriz (Jodie Foster).

Imposible no quedar subyugado por la trama que muestra a la agente Clarice Starling (Foster) tratando de capturar a un asesino serial apodado Buffalo Bill. Para esto requerirá la colaboración de un psiquiatra caníbal que está en la cárcel por sus crímenes: el temible y brillante Hannibal Lecter (Hopkins).

Mezcla de thriller y filme de terror psicológico, “El silencio de los inocentes” se destaca por su suspenso y por su ingenioso guión. Pero sobre todo por la brillante actuación de Hopkins, quien compuso un personaje memorable.

Ridley Scoot, Harrison Ford

Gracias a “Forrest Gump”, una obra maestra de Robert Zemeckis que se estrenó en 1994, nos enteramos que un hombre con una cierta discapacidad intelectual leve protagonizó numerosos hechos relevantes de la historia estadounidense a lo largo de varias décadas.

En realidad, las andanzas de Forrest se inician en 1986 con la publicación de una novela de Winston Groom. Ocho años después llegó la adaptación cinematográfica protagonizada por Tom Hanks que se llevó seis premios Oscar (entre ellos, Mejor Película, Mejor Guión Adaptado y Mejor Actor).

Por su éxito como jugador de fútbol americano, Forrest conoce al presidente John F. Kennedy. Luego combate en Vietnam y recibe una Medalla de Honor de manos del presidente Lyndon B. Johnson. Más adelante habla ante una multitud en una protesta pacifista, es recibido por Richard Nixon al triunfar como jugador de tenis de mesa y se encuentra con John Lennon en un programa de TV, por ejemplo. Todas estas escenas se integran a la perfección en un ingenio hilo narrativo.

Margaret Mitchell publicó en 1936 uno de los grandes clásicos de la literatura estadounidense: “Lo que el viento se llevó”. Tres años después llegó la adaptación cinematográfica de la novela, que arrasó en los premios Oscar (Mejor Película, Mejor Guión Adaptado, Mejor Director y Mejor Actriz, entre otros galardones).

“Lo que el viento se llevó” tuvo la particularidad de contar con tres directores. El rodaje lo inició George Cukor, quien fue despedido y reemplazado por Victor Fleming. Este cineasta, a su vez, tuvo como sustituto temporal a Sam Wood mientras optó por tomarse un tiempo libre en medio del trabajo.

La historia transcurre en Georgia durante el siglo XIX, poco antes del inicio de la Guerra de Secesión. Scarlett O’Hara (interpretada por Vivien Leigh) es una atractiva y caprichosa joven que está enamorada de Ashley Wilkes (Leslie Howard), quien se encuentra comprometido con Melanie Hamilton (Olivia de Havilland). En una fiesta, luego de ser rechazada por Ashley, Scarlett conoce al egoísta Rhett Butler (Clark Gable), quien tratará de conquistarla.

Viajar en el tiempo implicaría un riesgo: es fácil intuir que eventuales cambios que se introduzcan en el pasado podría alterar todo el desarrollo de la historia.

No hay mejor manera de entender esto que viendo “Volver al futuro”, gran filme de Robert Zemeckis que se estrenó en 1985 y marcó el nacimiento de una trilogía. En esta película, Marty McFly (Michael Fox) es un joven que mantiene una amistad con el Dr. Emmett Brown (Christopher Lloyd), un científico al que todos consideran demente.

Más allá de las creencias de los demás, el Doc logra crear una máquina del tiempo con su DeLorean y Marty, de manera involuntaria, termina viajando al pasado. Más precisamente llega a 1955, cuando sus padres se conocieron. El problema es que Marty termina modificando ciertos hechos que distancian a quienes deberían convertirse en sus progenitores, con lo cual necesitará la ayuda del Doc para volver a reunirlos y asegurar su propia existencia.

Cuando se estrenó en 1982, “E.T., el extraterrestre” se convirtió en el filme más taquillero de todos los tiempos, récord que ostentó durante más de una década. La película le permitió además a Steven Spielberg ratificar su maestría a la hora de narrar historias.

Sin dudas, el extraterrestre olvidado en la Tierra que entabla amistad con un niño humano y su familia es uno de los personajes más queribles del séptimo arte. Su vínculo con Elliott genera una gran ternura y sus vivencias en nuestro planeta siguen emocionando a espectadores de cualquier generación.

¿Qué chico no soñó con que su bicicleta levante vuelo? ¿Cómo olvidar la música del filme o las escuetas frases de E.T.? “E.T., el extraterrestre” dejó una huella imborrable. Sorprendentemente, aunque se llevó cuatro premios Oscar, no logró quedarse con ninguna de las categorías principales para las cuales estaba nominada (entre ellas, Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Original).

Una sola escena, la de Gene Kelly cantando y bailando bajo la lluvia, alcanzó para que “Singin’ in the Rain” entrara en la historia grande de la cinematografía. Por supuesto, este filme ofrece mucho más y por eso es uno de los mejores musicales de todos los tiempos.

En “Cantando bajo la lluvia”, Kelly (quien también fue codirector de la cinta junto a Stanley Donen) interpreta a Don Lockwood, una estrella del cine mudo que se enamora de la actriz novata Kathy Selden (Debbie Reynolds). Con la irrupción del cine sonoro, Lockwood se propone rodar musicales con Kathy, aunque en medio de ambos se entromete otra figura del cine mudo: Lina Lamont (Jean Hagen).

Uno de los atractivos de esta película de 1952 es que cada personaje tiene su instante de brillo a lo largo del metraje. La música y las coreografías resultan fabulosas a todo momento y el conjunto es realmente entretenido, incluso para quienes no son adeptos a este género.

Stanley Kubrick es uno de los cineastas más creativos que existió. Entre sus muchas películas bien valoradas, sobresale “La naranja mecánica”, que es la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Anthony Burgess.

Una de las particularidades del filme es que se habla en nadsat, una jerga inventada por Burgess. El personaje central es Alex DeLarge (interpretado por Malcolm McDowell), un joven admirador de Ludwig van Beethoven que pasa sus días buscando placer sexual, drogándose y divirtiéndose con la ultraviolencia.

Alex es el líder de una banda de drugos que se dedican a golpear y violar por puro entretenimiento en una Inglaterra del futuro. La traición de uno de sus compañeros lleva a Alex a la cárcel, donde acepta someterse a una técnica de rehabilitación para readaptarse a la sociedad. Ya “curado”, el muchacho recupera la libertad y debe hacerse cargo de su pasado.

Las escenas sexuales y violentas hicieron que “La naranja mecánica” sea censurada en muchos países. Por supuesto, nada impidió que perdure para ser considerada como una de las mejores películas de la historia.

“Toy Story” llegó en 1995 para ratificar que el cine animado también es un arte. Por su calidad técnica, su estética y su guión, entre otros motivos, se erigió como una de las mejores películas de la historia.

El filme dirigido por John Lasseter marcó el debut de Pixar en el terreno de los largometrajes. Otro hito es que se convirtió en la primera producción 100% animada mediante tecnología digital.

Las aventuras de los juguetes que cobran vida, encabezados por el vaquero Woody y el superhéroe del espacio Buzz Lightyear (quienes primero fueron rivales y luego se volvieron grandes amigos), conquistaron a todas las generaciones. A ningún adulto le da vergüenza admitir su fascinación por esta saga de cuatro películas que, en su versión original, tuvo las voces de estrellas como Tom Hanks, Tim Allen, Christina Hendricks, Keanu Reeves y Joan Cusack. Además de los filmes, la franquicia incluye cortometrajes, videojuegos, cómics y otros productos.

Fue la película más costosa y, al estrenarse, se convirtió en la más taquillera, una marca que mantuvo durante doce años. “Titanic” fue pensada en grande y lo que logró también resultó inmenso.

Una muestra: cosechó casi noventa premios, incluyendo once estatuillas en los Oscar de 1997. Por eso es la producción más galardonada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas junto a “El Señor de los Anillos: el retorno del Rey” y “Ben-Hur”.

El esfuerzo de James Cameron claramente dio sus frutos. La pareja formada por Leonardo DiCaprio y Kate Winslet se convirtió en una de las más emblemáticas del cine, con una gran química entre ambos para mostrar la historia de amor entre el humilde artista Jack y la adinerada Rose.

A este romance, claro, hay que sumar el imán de la tragedia provocada por el hundimiento del transatlántico. Los efectos especiales, en este marco, estuvieron a tono con la magnitud de lo narrado.