Las 17 mejores portadas de discos

En 1973 salió a la venta el octavo álbum de estudio de Pink Floyd: “The Dark Side of the Moon”. Un disco conceptual que se sitúa entre los más vendidos de toda la historia gracias a canciones como “Money”, “Time” y “Us and Them”.

Más allá de la maestría musical del trabajo, parte de su fama se debe a su icónica portada, diseñada por un colectivo artístico conocido como Hipgnosis. De dicha agrupación formaba parte Storm Thorgerson, compañero de escuela de Roger Waters y Syd Barrett.

La tapa de “The Dark Side of the Moon” tiene como elemento central a un prisma. Un rayo lumínico ingresa a la figura, que se encarga de descomponerlo en seis colores. La ambición y la locura son dos de los conceptos que, de manera simbólica, subyacen en la imagen, aunque también se pretendió hacer alusión a los juegos de luces que la banda británica solía incluir en sus conciertos.

En 1984, la banda norteamericana Van Halen amplió su producción con un disco que aludía al año de lanzamiento, pero expresado en números romanos. La imagen utilizada para identificar a ese trabajo que llegó a ser muy exitoso es, a simple vista, polémica.

Si bien una multitud coincide en definir a esta carátula como una de las mejores portadas de discos de todos los tiempos, la obra desarrollada por Margo Nahas no estuvo exenta de críticas negativas y hasta de censura. Al tratarse de una ilustración centrada en la figura de un ángel con rostro angelical y mirada enternecedora que sostiene un cigarrillo, eran de esperarse las manifestaciones de desaprobación.

Con el objetivo de minimizar el fuerte impacto de esta fotografía que se inició cuando Nahas, sin saber que el destino la uniría a los integrantes de Van Halen, retrató al pequeño descendiente de un amigo mientras el niño saboreaba habanos de chocolate, se adoptaron múltiples medidas. En Gran Bretaña, por ejemplo, se resolvió comercializar el material tapando las cajas de cigarrillo y la mano que da idea de un fumador de corta edad.

“The Velvet Underground & Nico” marcó el debut discográfico de The Velvet Underground, la banda liderada por Lou Reed. En este álbum de 1967, el grupo estadounidense contó con la cantante alemana Nico como invitada.

El disco fue producido por Andy Warhol, también mánager de la agrupación y responsable de la famosa portada. En ella, se puede ver una banana pintada por el propio Warhol con su inconfundible estilo pop.

En su edición original, la banana era una sticker que podía retirarse. Una leyenda invitaba a pelar la fruta lentamente para ver qué había en su interior (“Peel slowly and see”), dejando al descubierto una figura fálica por su color carne.

Con el tiempo, se dejó como portada el dibujo de la banana, quedando la otra imagen en el interior. De una forma u otra, “The Velvet Underground & Nico” es un trabajo que sigue siendo recordado por el arte de tapa creado por Warhol, sin minimizar su enorme importancia en el plano musical.

En 1979, la banda británica denominada Joy Division presentó en sociedad “Unknown Pleasures”, el álbum que marcó el inicio de su breve, pero digna de apreciar, discografía.

La tapa de ese material estuvo a cargo de Peter Saville, quien con los años trasladó el diseño de esa cubierta a un conjunto de Adidas para el plantel del Manchester United, fusionando así dos pasiones universales: la música y el fútbol. En otra oportunidad, además, lo reversionó para generar un mural sobre cambio climático bautizado como “No Music On A Dead Planet”.

Es importante recordar que la inolvidable imagen en blanco y negro elegida para el disco se compone de líneas irregulares que, por sus elevaciones, dan la sensación de representar cadenas montañosas o bien los resultados de un examen cardíaco. Sin embargo, aluden a las ondas de radio vinculadas al CP1919, el primer púlsar que la ciencia ha logrado descubrir.

En 1982, el afamado Michael Jackson renovó el interés del público al lanzar su trabajo discográfico número seis, dado a conocer bajo el nombre de “Thriller”.

Para la tapa, que desde el punto de vista de mucha gente ha llegado a posicionarse entre las mejores portadas de discos de todos los tiempos, se optó por mostrar al músico luciendo un traje de color blanco. Dick Zimmerman fue el encargado de retratar al artista.

Al recopilar datos acerca de esa producción y ver los resultados queda al descubierto que Michael no fue el único protagonista de dicha sesión. Junto a él estuvo un tigre cachorro, al que se puede ver sobre una de las rodillas de la megaestrella estadounidense. En 2001 se rescató del olvido otra imagen de esa serie y se la convirtió en cubierta de una edición especial de este exitoso disco que no ha perdido vigencia con el correr del tiempo, donde se puede ver a Michael abrazando al pequeño animal salvaje.

La tapa del álbum de estudio que la banda Nirvana lanzó en 1991 bajo el título de “Nevermind” se ha tornado inolvidable por más de un motivo. En primer lugar, hay quienes sostienen que es uno de los trabajos discográficos más sobresalientes del grupo liderado por Kurt Cobain. Además, la imagen elegida para la portada ha alcanzado una gran notoriedad y fue el disparador de una polémica que llegó hasta el ámbito judicial.

El protagonista de la fotografía elegida para identificar a este trabajo musical es Spencer Elden, que tenía apenas cuatro meses de vida cuando fue retratado desnudo debajo del agua. El diseño se completa con un dólar como anzuelo para ese pequeño que pareciera querer alcanzar el billete.

Con el correr de los años, Elden se animó a recrear esa icónica tapa haciéndose cargo de ser “el bebé” asociado a Nirvana pero también quiso enfrentarse legalmente con los miembros de esa agrupación. Los acusó, en ese marco, de pornografía infantil y de haberlo explotado a nivel sexual con objetivos comerciales, pero la Justicia de California desestimó su demanda.

The Beatles, en mayo de 1967, sumó a su producción un álbum bautizado como “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”. Este trabajo, lanzado después de “Revolver” y antes de “Magical Mystery Tour”, figura entre los más destacados y mejor conceptuados de la banda de Liverpool.

Su tapa, extremadamente colorida y repleta de celebridades, es resultado de un desafío creativo que asumieron Jann Haworth y Peter Blake. Se ambienta en un parque, se respalda en la técnica del collage y ofrece un retrato de carácter colectivo que inmortaliza una época. En esta portada, una de las más sobresalientes de la historia, entre la muchedumbre es posible divisar a Paul McCartney y compañía rodeados de flores y de figuras en tamaño real cuyos rostros pertenecen a personalidades como Shirley Temple, Marilyn Monroe, Karl Marx y Charles Chaplin, por mencionar a algunos a modo de referencia.

Muchos señalan a esta pintoresca composición artística como una de las mejores portadas de discos de todos los tiempos. Con el transcurso de los años, esta tapa ha servido de modelo e inspiración para que diversos diseñadores la recreen con el propósito de rendirle tributo a múltiples personalidades fallecidas.

Con el propósito de acompañar el espíritu sexy e irreverente de los Rolling Stones, Andy Warhol ideó una cubierta sugerente y varonil para darle una identidad al álbum de estudio número nueve del mítico grupo liderado por Mick Jagger.

Se optó por hacer foco en la cintura y entrepierna de un hombre (hay quienes aseguran que se llama Joe Dallesandro el modelo que se prestó para esa producción). Jeans ajustados, un cinturón y una bragueta son los elementos elegidos para insinuar, dejando las fantasías a cuenta de cada observador. Los labios rojos y la lengua afuera, un símbolo inconfundible de esta banda, también dicen presente en esta creación artística que muchos coinciden en señalar como una de las mejores portadas de discos de toda la historia.

Lejos de pasar desapercibida, esta tapa que en ciertos países fue objeto de censura todavía llama la atención a escala internacional y resulta inolvidable, especialmente, porque pertenece a un material repleto de temas que se transformaron en clásicos.

“The Joshua Tree” se titula el material discográfico que, en 1987, lanzó el reconocido grupo irlandés U2. Esta producción que pronto se volvió exitosa se identifica por una cubierta de fondo oscuro inspirada en un entorno desértico, una de las mejores portadas de discos en opinión de numerosos aficionados a la música.

En ese ambiente despoblado se retrataron los miembros de la banda con la intención de reflejar la unión entre el ser humano y la naturaleza. La sesión, que se llevó a cabo en la zona estadounidense conocida como desierto de Mojave, estuvo a cargo de Anton Corbijn, mientras que Steve Averill fue el artista gráfico contratado para trabajar sobre el concepto del diseño de la tapa.

En ese marco surgió también el nombre del disco, ya que el fotógrafo le contó a los músicos sobre una especie vegetal típica de esa zona, conocida popularmente como árbol de Josué. Durante la travesía Corbijn llegó, incluso, a fotografiar uno de esos árboles que, solitario, se erigía en un paisaje desolado.

Los integrantes de The Beatles, además de canciones memorables, han dejado huellas inolvidables. Siguen sus pasos, por ejemplo, todos aquellos que, incluso en la actualidad, recrean la tapa del que fue su undécimo disco. “Abbey Road” es el nombre de ese material discográfico que alude a la calle londinense donde, alguna vez, se fotografiaron los miembros de esta exitosa banda.

Ya es prácticamente un ritual posar como ellos al atravesar el paso de cebra que quedó inmortalizado en la imagen que diseñó John Kosh. Desde que salió a la luz, esta cubierta no ha dejado de llamar la atención a escala internacional.

Sin dudas, es una de las mejores portadas de discos e involucra a artistas muy influyentes, por eso no es extraño que dicho trabajo sea parodiado y examinado al detalle con el objetivo de realizar hallazgos, aportar datos curiosos y alimentar fantasías colectivas en torno a, por ejemplo, los pies descalzos de Paul McCartney.

Caras alumbradas con iluminación cenital sobre un fondo negro. Ese fue el concepto que guió al talentoso Mick Rock al momento de elaborar una fotografía que se tornaría icónica y valiosa a nivel cultural.

Los retratados, que para la ocasión se vistieron con prendas oscuras, eran cuatro artistas que se encontraban preparando el que sería su segundo lanzamiento discográfico. Dicho material, tomando en consideración el nombre de la banda liderada por Freddie Mercury y su hasta entonces historial de producciones, se tituló “Queen II”.

Lejos de quedar reservada a una de las mejores portadas de discos de la historia, esa imagen se aprovechó una y otra vez como retrato del inolvidable grupo. La obra tuvo oportunidad de volver a lucirse tiempo después ya que fue incluida en el videoclip correspondiente al extraordinario tema que terminaría transformado en uno de los clásicos más aclamados y escuchados de la industria musical: “Bohemian Rhapsody”.

Corría abril de 1973 cuando David Bowie dio a conocer su sexto disco, titulado “Aladdin Sane”. Un trabajo que, más allá de lo estrictamente musical, lo posicionó como un ícono pop gracias a su portada.

A cargo de Brian Duffy, la fotografía que ocupa la tapa muestra al artista inglés con los ojos cerrados y un rayo que le atraviesa la parte derecha del rostro. El contraste entre la palidez de su piel y la intensidad del relámpago resulta notorio e impactante.

Se trató de la segunda sesión fotográfica de Duffy con Bowie como protagonista. Fue el mánager del cantante, Tony Defries, quien propuso la formación de esta dupla. La historia cuenta que, para la creación de la imagen que muestra >“Aladdin Sane”, el propio Duffy dibujó al rayo y luego el maquillador Pierre La Roche se encargó de pintarlo, usando un lápiz labial para aportar el tono rojo furioso que se complementa con pinceladas azules y una línea negra.

“Island Life” es un disco de que recopila hits de seis producciones de Grace Jones. El álbum salió a la venta en 1985 y no tardó en convertirse en un gran éxito.

Cantante, modelo y actriz, Jones puso su rostro y su cuerpo al servicio de prestigiosas marcas como Kenzo e Yves Saint Laurent. También se lució en las revistas de moda más famosas y fue de una de las grandes figuras de la discoteca Studio 54.

En la portada de “Island Life”, la artista aparece retratada por Jean-Paul Goude, fotógrafo y diseñador francés con quien mantuvo una extensa relación sentimental e incluso tuvo un hijo. En realidad, lo que hizo Goude en este caso fue tomar recortes de diferentes fotografías para construir una sorprendente pose de Jones. El cuerpo tonificado y elástico de la cantante y el brillo de su piel morena se lucen en la tapa de este recordado trabajo discográfico.

En septiembre de 1979, The Clash se encontraba de gira por Estados Unidos. En un concierto en el New York Palladium, frustrado ante la fría respuesta del público y con la intención de enardecer un poco los ánimos, el bajista Paul Simonon rompió su instrumento golpeándolo contra el suelo.

Ese instante fue inmortalizado por la fotógrafa Pennie Smith. Aunque a ella la imagen no le gustó por detalles técnicos, el cantante y guitarrista Joe Strummer quedó fascinado ya que consideró que representaba a la perfección el espíritu de la banda.

Así, la foto de Smith se convirtió en la tapa de “London Calling”, el tercer disco de The Clash. Para muchos, se trata de una de las mejores portadas de la historia.

El álbum lanzado a fines del ’79 está entre los más aclamados de todos los tiempos. Canciones como “The Guns of Brixton”, “Revolution Rock”, “Rudie Can’t Fail”, “Lost in the Supermarket” y aquella que comparte título con el álbum se convirtieron en grandes clásicos.

Una estética muy original que desde el arte busca la provocación y la controversia le ha dado una visibilidad significativa a “Mechanical Animals”. Este álbum que Marilyn Manson lanzó en 1998 se ha posicionado, en varias encuestas, como uno de los discos con mejor portada. Mucho se ha hablado, debatido y analizado acerca de esa tapa excéntrica que escandalizó a más de uno.

En la imagen se observa al multifacético artista estadounidense caracterizado como una criatura alienígena que la estrella eligió dar a conocer bajo el nombre de Omega. Para conseguir el aspecto andrógino y extraterrestre, el músico se colocó prótesis para simular senos, se cubrió el cuerpo de pies a cabeza con látex y cubrió sus genitales con un plástico.

Su cabello luce una tonalidad bien roja, al igual que sus labios y sus ojos, completándose de este modo la imagen asexuada y diabólica del personaje procedente del espacio que busca brillar en el universo musical.

En 1973, Luis Alberto Spinetta (quien supo liderar la legendaria banda llamada Pescado Rabioso) renovó el interés de críticos, colegas y público gracias a un trabajo discográfico titulado “Artaud”.

Ya desde su portada, esta obra es única, destacada y original. Si bien este material contiene temas inolvidables como “Todas las hojas son del viento”, “Cantata de puentes amarillos” y “Bajan”, su tapa verde de estructura irregular despierta curiosidad a primera vista. El concepto rupturista incomodó a algunos ya que, al no ser un producto de forma cuadrada, exhibirlo y conservarlo no resultaba tan sencillo.

En la carátula, una de las mejores que se han elaborado para discos, hay además un manchón amarillo en la zona inferior izquierda, mientras que arriba, sobre la derecha, aparece una fotografía en blanco y negro de Antonin Artaud. El artífice del diseño, que se complementa en la parte interna con un sobre blanco donde figuran créditos y listado de canciones, fue el artista argentino Juan Orestes Gatti.

En 2013, Lady Gaga logró estar en boca de mucha gente a raíz de la imagen elegida para la tapa de su álbum “ArtPop”. Se trata de una pintoresca composición fotográfica que estuvo a cargo de Jeff Koons. Sin ropa y de frente a cámara, tapando sus senos con manos y pelo, la artista consiguió atraer numerosas miradas hacia su obra.

Esta carátula que alcanzó una visibilidad suficiente como para, al menos, ser considerada una de las portadas de discos más cuestionadas, se completa con una esfera de color azul ocultando la zona íntima de Lady Gaga. De fondo, asimismo, se divisan fragmentos correspondientes, de acuerdo a datos que han ido develándose, a “El nacimiento de Venus” y al trabajo escultórico denominado “Apolo y Dafne”.

No se puede pasar por alto que “ArtPop” causó tanto revuelo que hasta fue objeto de censura. En suelo chino, por ejemplo, se autorizó la comercialización de este disco después de modificar la fotografía original para mostrar a la cantante con calzas de tono oscuro y resguardada detrás de una gran bola que llega a cubrir prácticamente todo su torso.