Las 20 mejores canciones de los 80

«Beat It» es un tema compuesto por Michael Jackson para su disco «Thriller» que se convirtió en una de las principales de dicho álbum, llegando a tener un sencillo.

Entre sus muchos logros, alcanzó el puesto 337 de la lista de 500 mejores canciones de la historia de la revista Rolling Stone. Además es una canción que ha tenido muchas versiones a lo largo de la historia.

Cuando «Beat It» vio la luz, Jackson ya era un cantante destacado; sus fusiones entre R&B y Rock&Roll le habían hecho ganar una gran cantidad de adeptos. Si a esto le sumamos su gran creatividad para revolucionar el mundo del videoclip incorporando bailes y puestas en escena impresionantes, podríamos reconocerlo como uno de los músicos más importantes de los ochenta; sin el cual la música popular tal cual la conocemos no existiría.

En lo que respecta al mensaje, es una invitación pacifista a la armonía. Una canción que resulta una especie de consejo contra la violencia, y que para muchos puede simbolizar una posición política en un momento importante de la política exterior estadounidense.

«Livin’ On A Prayer» es un sencillo de la banda de Rock Bon Jovi que se incluyó en su álbum «Slippery When Wet» publicado en Mercury Record. Su éxito fue rotundo, alcanzando una buenísima repercusión a nivel internacional.

Se trata de una de las canciones digitales con un número de descargas más altos en las últimas décadas, alcanzando una venta de tres millones y medio de copias. Asimismo, se la considera uno de los temas insignia de la banda y una de las canciones más populares de los ochenta.

El vídeo musical de este tema ha sido también muy popular en la historia de la banda. Fue dirigido por Wayne Isham, responsable de los videoclips más famosos de la historia del Rock.

En él podemos ver primero a la banda preparando una presentación en vivo y más tarde, en la misma presentación, donde aparece un público cálido apoyándolos. Entre las peculiaridades de dicho vídeo podríamos señalar que la primera parte, mientras la banda está sola las imágenes están en blanco y negro y en cuanto aparecen junto a su público todo adquiere color y velocidad.

«I Just Called To Say I Love You», «Sólo llamé para decirte que te amo» en español, es una canción de Stevie Wonder nos ha acompañado a muchos en nuestra adolescencia y es, seguramente, una de las importantes en la carrera del músico estadounidense.

Una de las peculiaridades de este tema y de su álbum «The Woman In Red» es que Wonder escogió un tipo de instrumentación electrónica muy rara todavía en el tipo de música que él hacía y consiguió demostrar que era posible ampliar los campos de la composición.

«I Just Called To Say I Love You» es una canción que nos invita a pensar en lo fácil que puede ser expresarle a alguien nuestro amor, y lo difícil que nos resulta a veces hacerlo. Una forma de invitarnos a aprovechar el tiempo y demostrar nuestro cariño cuando tenemos cerca a la otra persona. Sin duda es uno de los temas más profundos de la carrera de Wonder, al que volvemos con cierta frecuencia fascinados.

Aunque su visibilidad exigió de varios intentos hasta concretarse, «Take On Me» es una canción bastante importante de la década de los ochenta. Fue interpretada por la banda musical noruega A-ha.

Aunque la primera versión salió en 1984, no fue hasta dos años más tarde que alcanzó popularidad internacional. Y seguramente el elemento principal que colaboró con su visibilidad fue el peculiar videoclip con el que fue relanzada dos años después de haber visto la luz.

La escena nos permite ver a los miembros de la banda dibujados a lápiz (rotoscopio), como si fuese un dibujo animado, que se hallan en un entorno de una carrera automovilística. A estas imágenes se le intercalan otras en las que podemos ver a la banda completa en una filmación en vivo.

«Take On Me» recibió el título de mejor canción noruega de éxito internacional en los últimos cincuenta años. Ha sido versionada en reiteradas ocasiones por diversos intérpretes y es la responsable de que este grupo sea conocido fuera de su país.

«When Doves Cry» es un sencillo de Prince que vio la luz en su álbum Purple Rain, publicado en 1984 con la discográfica Warner Bros.

En la carrera de Prince este tema fue un hito, porque fue el primer sencillo en conquistar un número uno en Estados Unidos y fue el más vendido del año según la revista Billboard.

En el videoclip se ven en primer lugar unas palomas blancas junto a una bañera en la que se encuentra Prince desnudo. A lo largo de la cinta se produce un efecto de duplicación en la que vemos dos momentos específicos intercalados con momentos de la banda The Revolution actuando. En su momento supuso una gran controversia porque se criticó las cualidades sexuales explícitas del mismo. Sea como sea, por su estética y su tono recibió numerosos halagos.

Se trata de una canción que posteriormente ha sido versionada muchas veces; podríamos destacar la interpretación de Damien Rice y la de Patti Smith.

«Dude» es un sencillo de Aerosmith, una de las bandas más increíbles de la Historia del Rock Americano. Se incluyó en el album «Permanent Vacation» y consiguió llegar al puesto #14 de los Billboard Hot 100.

La canción ha recibido muchas críticas pero eso no ha impedido que se convierta en una de las más importantes de la banda. Destaca por presentar una música sumamente pegadiza e intensa, que te invita a cantarla y escucharla en loop. No hay que olvidarse de los arreglos vocales de Steven Tyler que, al igual que ocurre con el resto de los temas de la banda, aporta a la melodía un ingrediente extra auténtico e inolvidable.

La banda Aerosmith ha hecho numerosas presentaciones de esta canción. Entre todas ellas hay que señalar la que hicieron en el Estadio Único de La Plata (Argentina), el 8 de Octubre de 2016. Sin duda, una de las mejores a nivel interpretativo de toda su historia.

«Another One Bites The Dust» es una canción escrita por John Deacon que fue interpretada por el grupo de rock británico Queen en su álbum «The Game».

Aunque muchos la incluyen en el género Disco, existen muchas controversias respecto a esta clasificación y aunque podría ser que en ella ya se ven las raíces de la música disco y dance que produciría posteriormente la banda, todavía mantiene un vínculo estético estrecho con el rock.

Al margen de estas discusiones, esta canción se volvió rotundamente popular en cuanto vio la luz, llegando a convertirse en el mayor éxito de la banda fuera de su país. Y es posible que haya sido la responsable de que Queen decidiera explorar nuevos caminos estéticos en su música.

Esta canción ha recibido muchas interpretaciones a lo largo de la historia. Incluso un grupo de fundamentalistas cristianos expuso que si escuchabas la cinta al revés podía leerse un mensaje de apología al consumo de marihuana. Sea como sea, sin duda es una de las canciones de Queen que nadie debería perderse.

«Tan enamorados» es un tema romántico del cantante Ricardo Montaner, que vio la luz en su álbum «Ricardo Montaner 2», publicado en 1981.

Se trata de uno de los temas más importantes en la carrera del músico venezolano. Y es posible que en la consecución de su fama haya tenido algo que ver el haber sido seleccionado como cortina para la telenovela «Niña Bonita».

La canción relata las sensación de un hombre enamorado de una mujer que le va expresando los sentimientos más puros de deseo y amor.

Al igual que ocurre con todo el género romántico, se trata de una canción en la que se ve la idealización de la persona amada y se crea una atmósfera de fantasía en torno a las relaciones. Y aunque con el tiempo entendemos que las relaciones amorosas son mucho más difíciles de lo que parecen, no deja de entusiasmarnos volver a escuchar esta canción como cuando teníamos quince y pensábamos que la vida era maravillosa. Sin duda es éste un tema de los ochenta al que siempre volvemos.

«Eternal Flame» es una canción interpretada por el grupo The Bangles y publicada en su álbum de estudio Everything. Fue tal su éxito que la banda se vio obligada a interpretarla en todas sus presentaciones.

Este es otro de los casos de voces femeninas que marcaron una época. No son pocas las intérpretes femeninas que tenemos en la memoria, porque esos momentos de la infancia que nos generan cierta nostalgia están guionados por esa música que sonaba en la radio y que nos acompañaría para siempre.

La letra de esta canción nos permite conocer una rogativa de amor en el que alguien se dirige a su ser amado y le pide que le de la mano y toque su corazón, para que pueda sentir lo mucho que se acelera por estar a su lado. Una canción que tiene un ritmo que va de lo melódico a lo electrónico y que nos invita a sentir a cada paso lo que la letra quiere contarnos.

«How Am I Supposed To Live Whitout You» es una canción que grabó el cantante estadounidense Michael Bolton en 1982 y que tuvo mucho que ver con su popularidad musical. Si bien salió como un sencillo, en 1988 la incluyó en su álbum «Soul Provider». Alcanzó los primeros puestos en las listas de Billboard y consiguió el Grammy a la mejor voz masculina de Pop.

Se trata de un tema que ha tenido numerosas versiones a lo largo de la historia, entre las que podríamos mencionar la de Laura Branigan en 1990.

«Cómo se supone que pueda vivir sin ti», dice Bolton con su maravillosa voz, y el mensaje nos cala a lo más profundo. Esta canción tiene un vídeo musical en el que vemos al personaje que interpreta Bolton dirigiéndose a su amada y tratando de darle pruebas de que tienen que quedarse juntos.

Sin duda es una de las grandes canciones de los ochenta a la que volvemos con fascinación. Bolton es seguramente uno de los más destacados artistas de la época.

«Don’t Stop Believin’ « es el segundo sencillo de la banda de rock americano Journey. Publicada en 1981 como uno de los temas más importantes de su álbum «Escape».

Para muchos, ésta es la canción más importante de la banda, a través de la cual podemos descubrir las raíces e influencias y también su identidad como grupo. En poco tiempo consiguió una gran repercusión alcanzando los primeros puestos en la lista Billboard Hot 100.

Entre las cualidades de este tema habría que señalar que tiene un riffs de teclado que te pone los pelos de punta y que te hipnotiza completamente. Posiblemente sea uno de los elementos que la llevó a convertirse en la canción digital con más ventas del siglo XX (sólo en Estados Unidos vendió siete millones de copias).

El mensaje de la canción proviene de una enseñanza con la que el padre de uno de sus compositores, de Jonathan Cain, animaba a su hijo para que no abandonara su sueño de músico por el hecho de que las cosas fueran mal. «No dejes de creer, porque estarás terminado». Quizá sin ese padre, Cain habría abandonado los escenarios y la composición y Journey no habría llegado a ser lo que fue.

«Time After Time» es una de las canciones más famosas de la cantante Cyndi Lauper. Fue publicada en 1984 en su álbum debut «She’s Go Unusual», grabada en la discográfica Epic.

En poco tiempo, la canción alcanzó los primeros puestos de las listas musicales más importantes, tanto de Estados Unidos como de Inglaterra.

Lauper fue aclamada como una de las mejores compositoras de su generación, gracias a esta obra que se tildó de «magníficamente sincera» y «una de las canciones del año». Cabe mencionar que, pese a que tiene más de treinta años, continúa siendo uno de esos temas populares. Asimismo ha sido versionada por numerosos cantantes, entre los que podríamos mencionar a Miles Davis y Sarah McLachlan.

En la canción vivimos la ruptura de una pareja. Lo que a simple vista puede ser una historia para inspirar la tristeza, en Lauper es lo contrario, una posibilidad para reconstruirse desde esa pérdida. Quizá por eso no deberíamos dejar de escucharla e inspirarnos para nuestra experiencia.

En 1995 Lauper hizo una parodia de esta canción en el programa televisivo de David Letterman. Si bien la canción no había perdido hasta ese momento importancia, gracias a esta actuación sus descargas se dispararon, consiguiendo que también se convirtiera en uno de los temas fundamentales de los noventa.

«Giros» es uno de los temas más importantes en la carrera de Fito Páez, porque significó su puntapié inicial y la posibilidad de hacerse conocido fuera del país.

Este tema salió en un disco homónimo que se caracterizó por la exploración de nuevos sonidos por parte del músico argentino. En esta canción en particular jugó con un base más melancólica, cerca del tango, a la que introdujo sonidos del Pop y el Rock, produciendo un peculiar sonido que marcaría la vida de la juventud de aquella época.

A lo largo de la carrera de Fito Páez este tema ha recibido numerosas versiones, tanto que hizo él mismo como que realizaron otros músicos. Entre los artistas que han entonado «Giros» a lo largo de sus trayectorias se encuentra la reconocida cantante Fabiana Cantilo.

Entre las muchas interpretaciones que pueden hacerse de este disco no habría que dejarse fuera una en torno a la situación política que reinaba en Argentina, con su recién estrenada democracia que tenía que ajustar cuentas con el pasado represivo.

«Let’s Dance» es una de las canciones más importantes del compositor británico David Bowie. Vio la luz en 1983 en el álbum de nombre homónimo y es seguramente una de las muestras indiscutibles de su talento.

Este tema, que ofrece una valiosísima fusión entre funk y dance, fue sumamente importante en la carrera de Bowie porque fue la primera que consiguió un número uno doble, tanto en América como en el Reino Unido. Cabe mencionar que este disco es el más vendido de toda su carrera.

En el videoclip nos situamos en un bar de carretera en el que hay dos músicos interpretando la canción y el público no puede evitar bailar. La música los va llevando y parece hipnotizarlos. De fondo podemos interpretar el mensaje de que para que exista la música no se necesita del consumo y de la artificialidad, que su poderosa fuerza está por encima de todo cliché y de toda limitación humana.

«Imágenes Paganas» es una canción del grupo Virus, incluída en el álbum «Virus Vivo 1» y considerada una de las mejores canciones de la banda.

En el 2002 esta canción se incluyó en la lista de 100 mejores canciones del rock argentino publicada en la revista Rolling Stone.

La mayoría de las canciones de Virus, y ésta no es la excepción, intentaban exponer una situación específica: la extrañeza que produce la juventud, la necesidad de poner en duda todo y de vivir, asimismo, el presente.

De alguna forma, el grupo ofreció letras que pusieron en palabras esa sensación adolescente, que explicaron la fantasía de la juventud de una forma única. Y gracias a esta idea y a su capacidad para componer sonidos y letras, consiguieron hacerse un lugar indiscutible en la Historia del Rock Argentino.

«Yo no quiero volverme tan loco» es al mismo tiempo una canción y el nombre del tercero y último álbum de estudio del grupo Seru Girán, antes de que se separase. Su autor, Charly García, después de ese trabajo comenzaría su carrera como solista.

Una de las cualidades de este tema es que comienza con cierta lentitud y a medida que avanza va adquiriendo más fuerza. Es una especie de secuencia en la que un personaje expresa que no quiere esa desesperación, que la rutina lo sobrepase y que el sistema decida por él cómo debe vivir. Una canción de rebeldía con un fondo acústico importante.

«Yo no quiero vivir como digan / tengo algo que late en mi corazón». Estos dos versos podrían servir para entender el sentido de toda la letra, que en las presentaciones en vivo adquiría una fuerza imposible, con el público haciendo de coro y la voz de Charly iluminando el camino. Sin duda, una de las grandes canciones del Rock Argentino.

«Vision Of Love» es una de las canciones más extraordinarias de los años ochenta y noventa. La escribió e interpretó Mariah Carey, con la colaboración de Ben Margulies, y se grabó en Columbia Records en el año 1989. Para muchos es la canción insignia de la intérprete estadounidense.

Fue una de las canciones más importantes de la compositora, ubicándose en los primeros puestos de las listas no sólo el año en que salió sino en ediciones posteriores; al aparecer en sus discos «Number 1’s», «Greatest Hits» y «#1 To Infinity».

La peculiaridad del talento musical de Mariah abarca no sólo el terreno de la composición, donde supo crear extraordinarias fusiones entre estilos alejados como Soul, Hard Rock y R&B; sino también de la interpretación, donde utiliza un amplio registro que va de bajos profundos y bien timbrados a notas sobreagudas con la técnica «high notes» (silbidos bien colocados en el registro sobreagudo). Asimismo ha sabido jugar con buen gusto con la composición de pistas con su propia voz que hacen las veces de instrumentos musicales.

«Vision Of Love» sigue siendo al día de hoy una de las canciones más importantes de Carey, recibiendo el título de «la mayor influencia vocal en la historia del Pop».

«Love In An Elevator» es un sencillo de Aerosmith que se incluye en el disco «Pump», publicado a través de la discográfica Geffen Records en 1989.

En la historia de la banda fue un tema importante porque alcanzó el número cinco en la lista Billboard Hot 100.

Se caracteriza por presentar una melodía que va narrando y acompañando la historia de una forma increíble. En ella conocemos a un hombre que nos cuenta que se encuentra agobiado de estar todo el día disponible para su trabajo y que tiene poco tiempo para disfrutar. Pero decide liberar su mente y disfrutar de una fantasía mientras viaja en el ascensor.

Musicalmente la canción presenta notas sobreagudas interpretadas con la maravillosa voz de Tyler, que ayudan a proporcionarle intensidad a los momentos de clímax. Evidentemente, «Love In An Elevator» es uno de los temas que marcó el inició de una nueva etapa en la banda, que alcanzaría su mayor éxito durante la década del noventa.

«A House Is Not A Home» es una balada, grabada por primera vez en 1964 por Dionne Warwick adquirió un impacto inolvidable cuando fue interpretada por el maravilloso Luther Vandross, en la década del ochenta, para su disco «Never Too Much».

En el 2009 la revista «Essence Magazine» incluyó la versión de Vandross en su lista «25 Best Slow Jams Of All Time». Asimismo es una canción que ha recibido numerosas versiones a lo largo de la historia, entre las que podríamos mencionar la de Ella Fitzgerald, Shirley Bassey y Barbra Streisand.

La canción establece unas bellas metáforas entre la materialidad de la existencia y las urgencias emocionales. No es suficiente tener una casa si no hay allí alguien que te abrace. Una silla siempre es una silla, pero una casa no es un hogar si estás solo. Éste sería el mensaje principal, que se acompaña de una melodía melancólica, con lo mejor del R&B y del Soul.

Luther Vandross ofreció una versión en vivo que se hizo muy popular y que puedes escuchar a continuación.

«Unchain My Heart» es una canción del músico británico Joe Cocker, publicada en su disco homónimo, a través de la discográfica Capitol Records.

La grabó por primera vez el cantante estadounidense Otis Williams en el año 1964; no obstante no se hizo realmente conocida hasta que la interpretó Cocker. Con ella alcanzó el puesto 89 en la lista Billboard 200.

Esta canción nos narra la desesperación de alguien que no tiene una respuesta positiva por parte de la persona a la que ama. «Te llamo por teléfono y me atiende alguien para decirme que no estás«, se queja el enunciante, para concluir «Libera mi corazón y déjame ser yo mismo«. Una canción con un fondo musical pegadizo que invita a bailar y mover el cuerpo.

Joe Cocker fue un cantante inglés que estuvo activo desde 1961 hasta 2014 y que nos ha dejado algunas de las canciones más bonitas de la historia. Seguramente lo más inconfundible de este intérprete era su voz, quebradiza y arenosa y con poco timbre. Lo que le permitió hacer interpretaciones únicas de temas populares.