Las 21 mejores canciones de los 70

«Got to Be There» es un tema de Michael Jackson que vio la luz en su disco homónimo publicado en 1972, publicado por la discográfica Motown.

Es un tema muy importante porque formó parte del primer álbum de estudio de Jackson como solista, después de abandonar el grupo «The Jackson 5». Lo grabó cuando tenía tan sólo 13 años.

Si bien esta canción es una balada, al igual que el resto del álbum, incorpora elementos del soul y del pop, ofreciendo una fusión extraordinaria. Quizá por eso se volvió tan popular; llegando a ubicarse en la lista de los 14 temas más vendidos en los Estados Unidos de la música pop.

«Got to Be There» fue el primer sencillo del álbum y de Jackson como solista y le sirvió para internacionalizarse; puesto que en poco tiempo se volvió popular en muchos países del mundo.

Hay que señalar que Michael Jackson fue uno de los artistas más innovadores de los setenta, quien imprimió un estilo nuevo a la música popular, resignificándola. Junto a otros compositores como Mariah Carey, Elton John y Janet Jackson consiguió redirigir el cauce de la música popular aportando nuevos matices en la composición y en el baile.

Es una de las canciones más populares de Dolly Parton, que vio la luz en su álbum «Jolene».

Se trata de un tema de despedida que una persona dirige a su ser amado. En ella le expresa que va a marcharse porque sabe que no es ella lo que la otra necesita, pero le promete que siempre habrá de amarla. «Pero siempre voy a amarte», concluye.

Esta canción volvió a ser un tema popular durante los años noventa, gracias a que fue el tema principal de la película «El guardaespaldas» y fue interpretada por Whitney Houston.

«Cat’s in the Cradle» es una canción compuesta por Harry Chapin del género folk rock y que forma parte de su disco Verities & Balderdash.

Se trata de un tema muy significativo en la carrera de Chapin porque fue el único que alcanzó el número uno de la lista de los Billboard Hot 100. Desde entonces se convirtió en su tema más significativo, que no faltó en ninguna presentación en vivo; además de ser una de las canciones icónicas del género.

La canción cuenta la historia de desencuentros entre un padre y un hijo a lo largo del tiempo. Comienza cuando el chico es pequeño y su padre no tiene tiempo para pasar con él, ocupado en sus quehaceres de adulto; al pasar el tiempo es el padre el que desea tener momentos de cercanía con el hijo, pero él que se ha sentido abandonado ahora no tiene interés alguno en su progenitor.

Es un tema que ha tenido muchísimas interpretaciones a lo largo de la historia; entre las más populares se destacan la de Ugly Kid Joe y las de Johnny Cash y Sarah McLachlan.

«The Gambler» es una canción escrita por Don Schlitz que ha sido sumamente popular, al punto de ser interpretada por muchos músicos a lo largo de la historia. Kenny Rogers, ofreció una versión inolvidable en los años setenta.

Kenny Rogers la incluyó en su álbum «The Gambler» con la que ganó un Grammy a la mejor voz masculina de country.

La canción cuenta la historia de alguien que espera el tren hacia ninguna parte y de pronto se encuentra con otra persona y se establece un diálogo reflexivo con ella. Puede entenderse como un juego de dualidades o de espejos, aunque caben numerosas interpretaciones, incluso una de corte amoroso.

«El secreto para sobrevivir está en saber de qué desprenderse», es una de las frases icónicas de esta canción. Fragmento que repetimos con cierto fervor, acompañados por el sonido único de la voz y musicalidad del genio de Rogers y la sensación de esperanza que gira siempre en torno a la buena música.

Esta canción interpretada por los Ramones es una de las más importantes de la banda. «Beat On The Brat», cuya traducción aproximada podría ser «Golpea al mocoso», es además seguramente un canción muy representativa de los años setenta, musicalmente.

«Beat On The Brat» perteneció al álbum con el que la banda se dio a conocer y cuya letra podría dar mucho de qué hablar, porque podría encarnar una especie de promoción de la violencia contra los niños, pero en la que caben sentidos metafóricos más interesantes y que son, probablemente, los que convendría darle.

De todas formas, las innovaciones de Ramones no estuvieron tanto en el terreno de la lírica como de la música; aportaron al universo del rock una visión punk, siendo uno de los primeros en trabajar sobre una estética feísta, que buscaba rebelarse ante una realidad acomodada y llena de hipocresía a través de la música.

La canción «Miss You» de la banda británica The Rolling Stones es otra maravilla de su tiempo, incorporando elementos de la música disco en las composiciones del grupo.

«Miss You» (en español, «Te extraño») formó parte del álbum titulado «Some Girls», que la banda publicó en 1978. Y aunque la acreditación la reciben tanto Richards como Jagger, se sabe que la compuso este último tomando como punto de referencia la música disco estadounidense; no obstante, la versión que se publicó no es idéntica a la composición original.

Fue el último número uno de la banda, siendo asimismo el octavo tema de la banda en alcanzar este puesto. En el 2004 fue ubicada en el puesto 496 de la lista de 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos por la revista Rolling Stones.

«Te quiero, te quiero» es una canción del cantante español Nino Bravo que fue publicada por Fonogram en 1970, para el álbum debut del cantante.

De Nino Bravo se han dicho muchas cosas, tales como que tenía una voz tan grande (en término de intensidad) que era necesario grabarlo a una cierta distancia. Su capacidad para proyectarla e interpretar lo han convertido en uno de los cantantes españoles más destacados de los años setenta.

«Te quiero, te quiero» es una de sus canciones más famosas, quizá porque en ella podemos transportarnos a la sensación de amor inmenso que experimenta quien habla. La ternura y el miedo de amar tanto, y de sentir al mismo tiempo que algo puede salir mal se percibe no sólo en la letra sino en la forma de cantar de Nino.

Se trata de un éxito que ha sido versionado muchísimas veces, siendo una de las más recientes la versión de Alejandro Fernández.

No podemos pensar en los setenta sin mencionar al reconocido Víctor Heredia y su canción más significativa, «Sobreviviendo».

En aquella época de dictadura, Heredia fue uno de los cantautores que se aferró a la verdad y a la justicia entonando canciones que sirvieran de himno a la resistencia.

«Hace tiempo no río como hace tiempo», dice uno de los versos que podría servir de resumen para hablar de una canción que expresa una actitud antibélica, un llamado a la empatía y a la compasión y la búsqueda de una realidad donde la armonía y la alegría se impongan por sobre la muerte.

«Sobreviviendo» es una canción que ha aparecido en numerosos discos del cantante argentino, y aunque la grabó por primera vez en 1984 ya llevaba varios años incorporándola a sus recitales. Sin duda es una canción que sirvió de himno para sobrevivir a una época nefasta de la Historia Argentina.

Carole King es no sólo una cantautora fundamental de los setenta sino que además ha compuesto algunas de las canciones que nos vienen acompañando desde entonces.

«Tapestry» es el título de una canción del disco homónimo con la que Carole King ganó tres premios Grammy como Mejor interpretación vocal, Mejor canción y Mejor Disco del año. Además se mantuvo en el primer puesto del ranking durante más de dos semanas.

Esta canción, cuya traducción es «Tapiz» cuenta un poco cómo es la vida: una realidad virgen que vamos transitando y que se llena de colores a medida que avanzamos. Se trata de una canción de corte melódico que permite reflexionar sobre las diversas circunstancias de la existencia y la experiencia vital.

Esta canción pertenece al álbum homónimo de Pink Floyd, publicado en 1975, y es una de las canciones fundamentales de la época.

«Wish You Were Here» que la traducimos en español como «Ojalá estuvieras aquí» es un disco en el que la banda explora el tema de la ausencia desde diferentes perspectivas.

Es un tema que se caracterizó por los efectos de sonido donde el uso de sintetizadores y sonidos artificiales otorgaba la distorsión adecuada para manifestar esas emociones, de pérdida y extrañeza.

Se puede interpretar en la letra las serias dificultades que la banda tuvo para recomponerse y recuperar la camaradería ante la ausencia de Syd Barrett; que tuvo que abandonar el grupo por sus crisis de ansiedad que combinadas con su adicción a las drogas crearon serias dificultades en los miembros del grupo.

El grupo Funkadelic fue uno de los más importantes de la música afroamericana de los setenta. Y esta canción, «One Nation Under a Groove», un himno.

A Funkadelic, junto a Parliament, el grupo dirigido por George Clinton, se las considera las fundadoras de la música funk. Esta canción, asimismo, fue una de las primeras que expresaron la identidad de este incipiente género musical.

«One Nation Under a Groove» es una canción de protesta que invita a quien escucha a levantarse, a no permitir ser absorbido por el sistema, a abanderarse por la justicia y ponerse en camino para evitar que las mismas injusticias de siempre puedan perpetuarse. Es seguramente una de las canciones más significativas del grupo, que además le otorgó a éste una gran popularidad.

Fue grabado por primera vez en 1978 en los estudios de la Warner Bros.

«Get the Knack» es una banda de rock estadounidense que tuvo un gran empuje en los setenta. Esta canción, «My Sharona» fue el álbum debut del grupo y marcó un antes y un después en su historia discográfica.

Fue escrita por Doug Fieger y Berton Averre y producida por Mike Chapman. En menos de ocho semanas se convirtió en Disco de Oro, consiguiendo alcanzar el primer puesto en la lista Billboard Hot 100.

Tiene un comienzo de guitarra que la vuelve sumamente característica, y respecto a la letra narra la historia idílica entre dos personas. El amor surgido de una casualidad y los detalles que le rodean. Una canción muy identitaria de aquella época de efervescencia.

«Canción para mi muerte» fue compuesta por Charly García para ser interpretada por la banda que componía con Nito Mestre, Sui Generis.

Fue uno de los temas del primer álbum, que los catapultaría inmediatamente a la fama y que se convertiría en una de las canciones más importantes del rock argentino. Fue grabada en 1972 en los estudios Phonalex.

Esta canción es una de las más hermosas de la banda argentina y podría entenderse como un diálogo de una sola voz dirigido a la muerte. En él el que siente que llega su hora intenta expresar las sensaciones de ese momento.

Tanto la letra como la música producen en uno cierto hipnotismo que te lleva a sentir que la música es capaz de llevarte a un estado que no conocías. Charly García contó que la escribió una tarde en la que estaba hospitalizado y sintió que en su habitación merodeaba la muerte. Lo cierto es que saber esto confirma las sensaciones que tuvimos al escucharlo, es sumamente impactante.

El grupo australiano The Pretenders grabó «Brass In Pocket» en 1979, marcando el inicio de un nuevo género que años más tarde recibiría el nombre de New wave.

Esta canción llama la atención por su composición musical ya que ofrece una combinación de sonidos que resultan sumamente sugerentes y que colaboran con la intención de la letra.

«Voy a conseguir llamar tu atención», dice en una de las estrofas. Y puede entenderse como la búsqueda de atención por parte de una persona enamorada de otra, o la necesidad de provocar un cambio social. En ese sentido, la mayoría de las letras de The Pretenders permiten esa doble lectura y es quizá esta característica una de las responsables de que la popularidad de la banda sobreviva al paso del tiempo.

Se trata de una de las canciones de la banda más versionadas de la historia, a través de la cual, se han convertido en firmes representantes de la música setentosa.

«Wuthering Height’s» es una canción, absolutamente exquisita para los amantes de la obra homónima de Emily Brontë, y una de las principales en la carrera de la cantante irlandesa Kate Bush.

A través de la letra recorremos la historia de amor entre Heathcliff y Catherine pero que se centra en el capítulo tres de dicha novela. La composición tanto de la letra como de la música es de Kate Bush, quien la presentó a los 19 años de edad y se convirtió con ella en una de las cantantes más escuchadas de Reino Unido ese año.

Uno de los aspectos más llamativos de esta canción es la voz límpida de la cantante, capaz de transportarnos a la atmósfera hipnótica de la novela, con un toque gótico y una frescura impactantes.

Kate Bush conseguiría otros éxitos en su carrera, pero esta canción, sin lugar a dudas, continuaría siendo hasta el día de hoy su obra maestra.

«Dream On» es una canción de la banda de rock Aerosmith que vio la luz en 1973.

«Dream On» fue grabada en un sencillo y también apareció en el primer disco que llevaría el nombre de la banda. Se grabó a través de la discográfica Motown.

Fue compuesta por Steven Tyler y no sólo es significativa para la historia de la banda porque se trató de su primer sencillo, sino porque además tuvo muchísimo éxito. En 1976 fue relanzado en el disco «Aerosmith», que se convertiría en uno de los más vendidos de la banda.

Es una canción que nunca falta en las presentaciones en vivo y que, incluso, han interpretado en compañía de una orquesta. Sin ir más lejos, en 2006, Steven Tyler y Joe Perry tocaron la canción junto a la Boston Pops Orchestra en el Día de la Independencia de los Estados Unidos.

Se trata de una de las canciones más exitosas de la banda y también de la primera que tuvo éxito. Asimismo, es un tema que forma parte del Salón de la Fama del Rock como una de las canciones que colaboró con la historia y la tradición del rock and roll. En la lista de Rolling Stone también aparece como una de las 500 mejores canciones de la Historia.

«Without You» es una canción que grabó el grupo de rock británico Badfinger e incorporó en su disco «No Dice» que vio la luz en 1970.

Esta canción fue escrita por Pete Ham y Tom Evans, integrantes de la banda británica Badfinger.

Al escucharla podemos descubrir a una persona que se refiere a su amada para decirle que la vida no tiene validez alguna sin amor, sin su amor.

Desde su creación en adelante fue una canción que tuvó un importante recibimiento por parte del público. Además ha tenido una gran cantidad de variaciones. Entre ellas cabe señalar la de otro grupo británico Air Supply (en 1980) y la de Mariah Carey (en 1993). En este último caso se trata de una de las únicas canciones del género Soft Rock de la intérprete y sin duda es una de las versiones más populares y extraordinarias.

De hecho, esta canción ha sido tan popular que incluso existen versiones en español bajo el título de «Sin ti». Por poner un ejemplo, Ricardo Montaner la grabó para su álbum «Las mejores canciones del mundo».

Esta canción interpretada por Barbra Streisand y que podría traducirse como «Tal como éramos» fue sumamente popular gracias a haber aparecido en la película de nombre homónimo, y haber ganado el Óscar a la mejor canción original.

Es una canción melancólica a través de la cual, quien canta mira en retrospectiva el pasado, y le habla a su amada para intentar recuperar la magia del comienzo. Y termina preguntándole si en el caso de tener una nueva oportunidad, serían capaces de hacer las cosas de la misma manera.

En la película, interpretada por Barbara Streisand y Robert Redford, hay una crítica rotunda al mundo de la política, y un deseo de cambio. La actuación de Streisand es impecable y mirar la película nos puede permitir comprender en profundidad el sentido de la canción.

«Goodbye yellow brick road» es una canción de Elton John y Bernie Taupin que se traduce como «Adiós camino amarillo» y que ha sido sumamente significativa en la carrera del músico británico.

Se trata de una balada que se publicó en el álbum de nombre homónimo. Por primera vez en la carrera de John se nota una gran influencia del rock melódico que aporta nuevos matices a su piano y a su voz.

En su momento llegó a convertirse en una de las diez mejores canciones del mercado inglés y americano y el mayor éxito de Elton John.

Existen numerosas interpretaciones de este tema, entre las que podríamos mencionar la de la banda Keane y el supergrupo Transatlantic. Además, aparece en la novela de Stephen King titulada «La carretera maldita».

La carrera de Ella Fitzgerald está llena de grandes éxitos, y entre ellos sin duda su disco «Lady Time» es uno de los más relevantes. En dicho disco apareció por primera vez «I Never Had A Chance», uno de los temas fundamentales de la época.

La canción es una expresión de dolor a causa del desamor de una persona que no ha sido correspondida por otra.«Debo simplemente seguir mi camino», dice porque «Al fin he entendido que nunca he tenido una oportunidad».

Es un tema que consiguió su máxima difusión y ha sido interpretada por numerosos cantantes a lo largo de la historia de la música. Los años setenta fueron propicios para que se estableciera como un hito universal.

«Changes» es una canción del compositor británico David Bowie, que formó parte de su álbum «Hunky Dory», que vio la luz en diciembre de 1971.

Se trata de una de las canciones más importantes en la carrera de Bowie o al menos, en una de las primeras que le dio visibilidad, con la que consiguió llegar a la lista Billboard Hot 100.

Como ocurre con todas las canciones de Bowie estamos ante un tema que fue revolucionario musical e ideológicamente, porque se hace eco de injusticias sociales y de dificultades emocionales para vivir en este mundo. Y trata de impulsarnos a no dejarnos convencer por el sistema, a buscar una diferencia en nuestra vida.

En lo que respecta a sus cualidades musicales, hay que mencionar sus arreglos de piano con riff y a la voz de Bowie que siempre aporta un ingrediente secreto extraordinario.