Los 15 mejores blues

J.J. Cale fue un compositor, guitarrista y cantante que escribió temas interpretados por Eric Clapton, Tom Petty, Johnny Cash, Beck, Johnny Rivers y Santana, entre otros artistas. Su talento, como puede apreciarse, era valorado por grandes estrellas de la industria musical.

Una de las canciones más populares de Cale llegó a la fama a través de la voz y de la guitarra del británico Eric Clapton. Se trata de “Cocaine”, que Cale grabó en 1976 para su álbum “Troubadour” y Clapton incluyó al año siguiente en su disco “Slowhand”.

Como indica incluso en su título, este blues gira en torno a la cocaína. Muchas veces se interpretó que está favor de la droga y hasta fue censurada por ese motivo; sin embargo, Clapton ha señalado que, en realidad, su letra no promueve el consumo sino que invita a la reflexión sobre los peligros de los estupefacientes. Este mensaje suele ser reforzado en las actuaciones en vivo con dichos del propio Clapton.

“Manish Boy” es un blues que fue grabado por primera vez en 1955. Muddy Waters, quien puso la voz, aparece acreditado como el autor del tema junto a Bo Diddley y Mel London, aunque los hechos no revelan una cooperación creativa ni un trabajo amistoso.

Cuenta la historia que “Manish Boy” fue una respuesta a “I’m a Man”, una canción compuesta por Diddley, la cual a su vez estuvo inspirada en “I’m Your Hoochie Cooche Man” que Willie Dixon escribió para Waters. Así, una batalla de egos y el afán competitivo terminó dando lugar a tres de los mejores blues de la historia.

En la grabación original de “Manish Boy”, que ingresó al Billboard R&B y al UK Singles Chart, Waters estuvo acompañado por Jimmy Rogers en guitarra, Junior Wells en armónica y Fred Below en batería. Con el correr del tiempo, la canción tuvo otras versiones del propio Waters y de más artistas y pasó a ser conocida como “Mannish Boy”.

Rick Darnell y Roy Hawkins son los autores de “The Thrill Is Gone”, canción que fue grabada por Hawkins en 1951 y que ese mismo año alcanzó el sexto puesto en el ranking Billboard R&B. Sin embargo, faltaban casi dos décadas para que el tema se convirtiera en un hit masivo.

En 1969, B.B. King presentó su versión de este blues en el disco “Completely Well”. El single alcanzó la décima quinta posición del Billboard Hot 100 y le valió un Premio Grammy a la Mejor Interpretación Masculina de R&B.

La repercusión de la interpretación de King claramente superó lo logrado por el tema de 1951. De hecho, la revista Rolling Stone eligió “The Thrill Is Gone” del ’69 como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

King incluyó “The Thrill Is Gone” en varios de sus álbumes registrados en vivo, como “Live in Cook County Jail” de 1971 y “Live at San Quentin” de 1991. Gracias a su voz y a su guitarra, se transformó en uno de los mejores blues de todos los tiempos.

Corría 1936 cuando Robert Johnson grabó “I Believe I’ll Dust My Broom”. Tal como hizo con “Sweet Home Chicago”, Johnson se basó en una canción previa: en este caso, “I Believe I’ll Make a Change”.

El tema adquirió en una nueva dimensión en 1951 de la mano de Elmore James, quien lo registró como “Dust My Broom”. El riff con slide de James se posicionó como uno de los más representativos del blues.

La armónica de Sonny Boy Williamson II, el bajo de Leonard Ware y la batería de Frock O’Dell también se lucen en “Dust My Broom”, que accedió al Hall of Fame de la Blues Foundation en 1983 y del Grammy en 1998. Además la grabación del ‘51 fue elegida para su preservación en la Biblioteca del Congreso estadounidense en 2003.

Cabe destacar que, en la década del ’60, Ike & Tina Turner presentaron su propia versión de esta legendaria canción.

Stevie Ray Vaughan falleció trágicamente en 1990, víctima de un accidente cuando viajaba en helicóptero. Tenía apenas 35 años de edad y mucho más para aportar a la música.

Sin embargo, pese a su trayectoria truncada de manera abrupta, dejó un enorme legado. De él forma parte “Pride and Joy”, uno de sus mayores éxitos y uno de los mejores blues de acuerdo a muchos especialistas y amantes del género.

Vaughan incluyó esta canción en “Texas Flood”, su álbum debut que fue lanzado en 1983. De hecho, se convirtió en el primer single de su carrera. El guitarrista, en la grabación, estuvo acompañado por su banda Double Trouble.

Chris Layton, baterista de Double Trouble, explicó que “Pride and Joy” fue dedicada por Vaughan a su pareja de ese entonces. El tema llegó a ocupar la vigésima posición del ranking Mainstream Rock de la revista Billboard.

“Pride and Joy” fue incluida en distintas versiones del videojuego Guitar Hero. Además forma parte de la serie Rock Band.

John Lee Hooker es un ícono del blues. El guitarrista y cantante fallecido en 2001 puso su firma a numerosos clásicos a lo largo de una carrera que comenzó de la mejor manera.

En 1948, Hooker grabó su primera canción: “Boogie Chillen’”, también conocida como “Boogie Chillun”. La sesión tuvo lugar en los estudios United Sound de Detroit y el tema fue editado por Modern Records. El éxito fue inmediato gracias a la difusión que le dieron varias emisoras de radio.

Por entonces el músico tocaba en clubes nocturnos y trabajaba en una automotriz. Según contó más adelante, para crear “Boogie Chillen’” se inspiró en el ritmo de una canción que solía tocar Will Moore, su padrastro.

Hooker volvió a grabar “Boogie Chillen’” en varias ocasiones. La obra ingresó al Hall of Fame de la Blues Foundation en 1985 y obtuvo un Grammy Hall of Fame Award en 1999, demostrando su relevancia para el género y para la música estadounidense a nivel general.

Su título original es “Call It Stormy Monday But Tuesday Is Just as Bad”, aunque popularmente es conocido simplemente como “Stormy Monday”. Se trata de la obra cumbre de T-Bone Walker y de uno de los mejores blues jamás grabados.

Aaron “T-Bone” Walker está considerado como uno de los pioneros del blues eléctrico. Esta canción fue lanzada en 1947, aunque la fecha de su grabación no está clara y se cree que podría haber tenido lugar varios años antes.

Walker aportó la voz y la guitarra eléctrica. El saxofonista Bumps Myers, el trompetista Teddy Bruckner, el bajista Arthur Edwards, el pianista Lloyd Glenn y el baterista Oscar Lee Bradley también contribuyeron con su talento a este clásico que fue seleccionado para el Hall of Fame de la Blues Foundation (1983) y del Grammy (1991) y para su preservación en la Biblioteca del Congreso de Estadso Unidos (2007).

No hay que confundir este blues con “Stormy Monday Blues”, un tema de jazz grabado en 1942 por la orquesta de Earl Hines y la voz de Billy Eckstine.

Willie Dixon es quien compuso la canción y Howlin’ Wolf, el primero en grabarla. Desde 1960, cuando Wolf ingresó a un estudio por impulso de la discográfica Chess Records, “Spoonful” se posicionó entre los mejores blues.

Entre los antecedentes del tema aparecen “Cocaine Blues” de Luke Jordan, “All I Want Is a Spoonful” de Papa Charlie Jackson y “A Spoonful Blues” de Charley Patton, obras dadas a conocer entre 1927 y 1929. La letra de “Spoonful” (“Cucharada”, en castellano) remite a lo que algunas personas están dispuestas a hacer para lograr la satisfacción de sus deseos.

Wolf, quien puso la voz a “Spoonful”, estuvo acompañado por el propio Dixon en contrabajo; Hubert Sumlin y Freddie Robinson en guitarra; Otis Spann en piano; y Fred Below en batería. Entre quienes grabaron nuevas versiones con el paso de los años aparecen Harvey Fuqua, Etta James y Cream. La banda británica formada por Eric Clapton, Jack Bruce (uno de los mejores bajistas del mundo) y Ginger Baker incluso incluyó “Spoonful” en su álbum debut (“Fresh Cream”).

Como ocurre con varios de los mejores blues, “Sweet Home Chicago” tiene una historia bastante tumultuosa. Lo primero que hay que decir es que la canción fue compuesta por Robert Johnson, quien la dio a conocer en 1937.

Sin embargo, no es una creación 100% original. Lo que hizo Johnson fue adaptar “Kokomo Blues”, tema que en 1928 había registrado Scrapper Blackwell. En este trabajo, Johnson reemplazó Kokomo (una ciudad de Indiana) por Chicago (localidad de Illinois).

De todos modos, “Sweet Home Chicago” apenas nombra a Chicago y habla más de California. Grabada también por Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, The Blues Brothers y otros artistas, el blues finalmente se terminó erigiendo como un homenaje a la “Ciudad de los Vientos” e incluso muchos han cambiado la letra para adecuarla.

Es interesante mencionar que esa dicotomía entre Chicago y California fue analizada de distintas maneras. Hay quienes sostienen que Johnson cometió un error geográfico, aunque la mayoría de los especialistas creen que se trata de la descripción de un viaje por el territorio estadounidense o de una metáfora.

“How Long, How Long Blues” es uno de los primeros grandes éxitos del blues. Fue grabado en 1928 por Leroy Carr (compositor del tema) en piano y voz y Scrapper Blackwell en guitarra.

Al igual que otros de los mejores blues, “How Long, How Long Blues” se basa en una canción previa. Estamos hablando de “How Long Daddy” que, en 1925, registraron Papa Charlie Jackson e Ida Cox.

La grabación de “How Long, How Long Blues” (también conocido como “How Long How Long” y “How Long Blues”) tuvo lugar en un estudio de Indianápolis. La discográfica detrás del trabajo fue Vocalion Records.

Carr y Blackwell luego presentaron otras versiones de la obra, con cambios en la letra incluidos. “How Long, How Long Blues” forma parte del Blues Hall of Fame desde 1988 y además consiguió un Grammy Hall of Fame Award en 2012. Por otra parte, inspiró el desarrollo de varias canciones del género.

Muchas historias giran en torno a “The Memphis Blues”, una canción instrumental compuesta por W.C. Handy. Se dice que Handy escuchó la melodía varios años antes en un baile y que el tema fue creado para una campaña electoral del político Edward Crump (de hecho, por eso también es conocido como “Mr. Crump”).

Handy registró la obra en 1912. Luego habría vendido los derechos a Theron Bennett, aunque se produjo una disputa entre ambos por dicha cuestión. Lo concreto es que Bennett contrató a un escritor para ponerle letra a la música y poco a poco la popularidad de “The Memphis Blues” comenzó a crecer.

Una versión de 1914 fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso estadounidense para su preservación por su importancia cultural. Hoy “The Memphis Blues” se considera un trabajo clave en los orígenes y en el desarrollo inicial de este género. Entre quienes regrabaron el tema aparece el gran Louis Armstrong.

Nació en 1894 en Carolina del Sur y murió en 1935 en Michigan. En sus 40 años de vida, Clara Smith grabó más de un centenar de canciones y se convirtió en una de las primeras divas del blues.

Conocida como The Queen of the Moaners (“La reina de los gemidos”), se cree que Smith nunca fue a la escuela. En su adolescencia comenzó a cantar en distintos teatros y a hacer giras.

En 1923 se instaló en Nueva York y se volvió una figura habitual de los shows en bares y cabarets. Ese mismo año grabó para Columbia Records, trabajando con Louis Armstrong, Fletcher Henderson y otros músicos.

A lo largo de su carrera hizo duetos con Bessie Smith (“La emperatriz del blues”), alcanzando un gran éxito. Entre las canciones más famosas que grabó se destaca “Whip It to a Jelly”, que data de 1926 y puede encontrarse en el álbum “Clara Smith Vol. 4 (1926-1927)”.

“Born Under a Bad Sign” es un blues con música de Booker T. Jones y letra de William Bell, artistas de Stax Records. La canción fue grabada en 1967 por Albert King.

En aquella sesión, King aportó la voz y la guitarra y estuvo secundado por las bandas The Memphis Horns y Booker T. & the M.G.’s. Poco después de su lanzamiento, “Born Under a Bad Sign” ingresó al ranking Bilboard R&B.

El tema formó parte de un álbum de King también titulado “Born Under a Bad Sign”. Con los años, fue incluido en varios discos en vivo del cantante y guitarrista, quien además registró una nueva versión en 1978 para su trabajo “New Orleans Heat”.

“Born Under a Bad Sign” integra el Hall of Fame de la Blues Foundation desde 1988. Veinte años antes, Cream había grabado la canción en “Wheels of Fire”, donde comparte espacio con “Spoonful” y otros de los mejores blues de la historia.

El blues se fusionó con otros géneros en numerosas ocasiones, incluso en sus primeras décadas de existencia. Un ejemplo de este fenómeno es “Goodnight, Irene” de Lead Belly (apodo con el cual se conoce al cantante, músico y compositor Huddie William Ledbetter).

“Goodnight, Irene” está inspirada en “Irene Good Night”, tema de Gussie L. Davis que se dio a conocer en 1886. La primera grabación fue realizada en 1933 por John Lomax y diez años más tarde tuvo su registro por parte del propio Lead Belly.

Esta canción que combina blues y folk obtuvo el Grammy Hall of Fame Award en 2002. Antes de este hito, tuvo versiones de The Weavers, Frank Sinatra, Moon Mullican, Ry Cooder, Keith Richards, Eric Clapton y Bryan Ferry, entre otras figuras.

Cabe resaltar que “Goodnight, Irene” dio lugar a una canción de respuesta: “Wake Up, Irene”, un gran éxito de la música country a cargo de Hank Thompson.

“Cry Baby” puede ser considerada una canción de blues o de rock. Independientemente del género que se le adjudique, se trata de un tema que atravesó las fronteras y las épocas para convertirse en un éxito a escala global.

Bert Berns y Jerry Ragovoy son los autores de “Cry Baby”, cuya primera grabación corrió por cuenta de Garnet Mimms & the Enchanters en 1963. Aquella versión lideró el ranking Billboard R&B e incluso alcanzó el puesto número 4 en el Billboard Hot 100.

De todos modos, a “Cry Baby” le faltaba otro impulso. Entre septiembre y octubre de 1970, Janis Joplin ingresó a los estudios para grabar su versión con producción de Paul A. Rothchild. Pocos días después, Joplin falleció y “Cry Baby” terminó formando parte de su álbum póstumo “Pearl”, lanzado en 1971.

Posiblemente la canción de Joplin sea la más conocida en la actualidad. Sin embargo, siguen multiplicándose las adaptaciones: entre las más populares del siglo XXI aparece la realizada por Joss Stone en la entrega de los Premios Grammy de 2005.